L’artista italiano Salvador Carav ha venduto la sua “scultura squisita” a maggio io All’asta. L’opera d’arte invisibile è, infatti, nulla. Sebbene non vi sia alcuna riserva materiale per l’opera, il valore dell’asta Art-Right è stimato tra 6.000 e 9.000 (ossia da 61.000 a 91.000 NOK). Durante l’asta, gli offerenti hanno aumentato il prezzo e Karaw è partita con உடன் 15.000 (NOK 152.000).
In cambio di tale importo, un collezionista privato di Milano – presunto acquirente dell’opera – ha ricevuto l’ultima versione del vestito nuovo dell’imperatore, un certificato di autenticità e le istruzioni dell’artista per esporre la scultura. Carav ha suggerito di visualizzare questo lavoro senza restrizioni, in una casa privata, che copre una superficie di circa cinque metri quadrati. L’illuminazione speciale e l’aria condizionata erano opzionali.
Come si può sentire la scultura invisibile? Karav ha prodotto un commento pseudo-scientifico per un giornale spagnolo Diario A.S.. “Il vuoto non è altro che una stanza piena di energia. Anche se lo svuotiamo e non rimane nulla, non pesa comunque nulla, secondo la politica incerta di Heisenberg”, ha detto. “Pertanto, ha il potere di essere soppressa e trasformata in particelle, cioè dentro di noi.”
A coloro che erano confusi da questo doppio discorso, Karau ha fatto appello al mistero. “Quando decido di ‘esporre’ una scultura astratta in una determinata stanza, quella stanza concentra ad un certo punto una certa quantità e densità di pensieri, creando una scultura che, dal mio titolo, assume solo forme molto diverse. Soprattutto. non creiamo un Dio che non abbiamo mai visto?”
io La prima scultura invisibile di Cara non lo è. A febbraio Carav ha messo in mostra Buddha io KsmodellaresjAnna In Piazza della Scala a Milano. Si dice che sia stato mostrato all’interno del quadrato registrato nel capitello. “È una creazione che richiede l’attivazione del potere dell’immaginazione”, ha detto Karaw.
Questo è ridicolo, il che è un commento molto appropriato sulla “creazione” dell’artista. Prendendo alla lettera questa assurdità, Karaw ha completamente abbandonato la responsabilità dell’artista di comunicare qualcosa di importante sul mondo attraverso la sua arte. Con io Karav non ha offerto nulla di valore, ha preso i soldi e ha costretto altri a creare lui stesso il presunto lavoro.
Questa Charlotte estetica generalmente appartiene allo stesso livello storico dell’ascesa del parassitismo finanziario, e più recentemente dopo l’epidemia, come il recente articolo del WSWS ha affermato “la massiccia espansione della speculazione incoraggiata dalla banca centrale e da altre banche centrali”. «Debito, titoli societari e altri finanziamentiRisorse [verdipapirer; eiendeler] Marx lo ha classificato come capitale immaginario. “In risposta a questi processi economici e sociali, siamo ora giunti a uno stato completamente” immaginario “, che è altamente speculato. Come si sottolinea, attualmente esiste uno stato grande e volatile. RisorseBolla nell’arte e nelle collezioni.
Carav si arricchisce perdendo solo artisti negli Stati Uniti [engelsk tekst] Media stimata ciascuno, 000 34.000 [NOK 288 400], E un totale di centinaia di milioni di dollari in entrate basate sulla creatività dall’inizio dell’epidemia.
L’artista italiano (classe 1953) non è uscito dal nulla (“l’aria sciolta” sembra essere la sua merce abituale). Il suo “lavoro” ha una certa connessione con la tradizione della concept art emersa a metà degli anni ’60. L’arte ideologica rifiutava l’arte tradizionale, che, nella forma della critica Roberta Smith, era “a favore di un’ampia e illimitata selezione di informazioni, argomenti e preoccupazioni che non potevano essere facilmente separate in un argomento, ma espresse più accuratamente da progetti scritti , come fotografie, documenti, manifesti, disegni, film e video. Gli artisti usano i loro corpi e, soprattutto, il linguaggio. “
In Concept Art, si diceva che l’idea alla base di un’opera ora avesse la priorità su questioni relative al materiale, all’abilità tecnica e all’estetica. L’idea è tutto, e “la pena di morte è un affare forato”, nelle parole di Soul Levitt, uno dei primi teorici e praticanti dell’arte dell’ideologia.
Ma l’arte si basa sempre sulle idee. Ciò che appariva nuovo o più pronunciato, dopo gli inutili sforzi di Andy Warhol e degli artisti pop, era, nelle parole del critico britannico Peter Fuller, “il completo abbandono dei talenti espressivi della pittura e della scultura”. L’arte ideologica adora l’esatta verità sociale ed estetica degli artisti codificati e formali. Nonostante la loro estrema ipocrisia, i commentatori hanno mostrato una tremenda inerzia di fronte alle realtà attuali, compresa la pubblicità, i media e la distribuzione ufficiale delle informazioni.
Roberta Smith cita le idee dell’artista della fine degli anni ’60 Lawrence Weiner. “L’arte di imporre condizioni – umane o altro – per la comprensione del destinatario del, a mio avviso, il fascismo estetico.” Ha continuato: “A Weiner non interessano le sue ‘dichiarazioni’, i progetti concisi del tipo proposte di processo, … automaticamente, eseguiti da qualcun altro, o meno; questa deve essere la decisione del ‘destinatario’ del lavoro. Douglas Heupler, uno dei primi artisti ad essere nominato concettuale, scriveva nel 1968: “Il mondo è pieno di oggetti, più o meno interessanti; non voglio aggiungere altro. In termini di tempo e luogo, mi piace determinare il esistenza delle cose molto semplicemente.'”
Questo tipo di concetto rifletteva la distrazione e la degenerazione degli intellettuali d’arte, annegati dal cambiamento degli eventi, scollegati dal vero pensiero di sinistra o deliberatamente rifiutati, molto lontani da ampi strati della popolazione.
Invece di sculture o dipinti, i concept artist hanno prodotto documenti e fotografie che registrano le loro richieste o interventi simbolici. Hanno visto questi documenti come semplici prove; L’idea supposta è il lavoro. Altri artisti come Barry e Yoko Ono hanno presentato o pubblicato metodi per creare opere.
Si dice che l’arte concettuale sia anti-establishment. Non c’è dubbio che c’era una certa onestà nel rifiutare il lavoro come oggetto negoziabile che poteva essere scambiato sul mercato. Ad esempio, sembra che Weiner abbia cercato di creare opere che non potessero essere vendute, ma “possedute” da chiunque. Molti artisti concettuali hanno anche cercato di mettere in discussione l’autorità delle gallerie o dei musei di presentare opere a livelli artistici. A lungo termine, tuttavia, questo approccio “democratico” è molto meno importante della negazione – o dell’incapacità – degli artisti di confrontarsi e criticare onestamente il mondo che li circonda in forme artistiche, concrete, concrete.
In questo contesto, rifiutarsi di creare un’opera d’arte che possa essere una merce è un gesto di frustrazione di ribellione, e in molti casi molto facilmente “frusibile negoziabile”. In larga misura, il concetto ha accelerato la degenerazione della presenza critica dell’artista e, nonostante le sue caratteristiche superficiali ribelli, ha significato un ulteriore allontanamento dalla lotta.
L’ascesa del postmodernismo alla fine degli anni ’70 e oltre ha approfondito i problemi, lasciando alcuni artisti ancora più cinici o confusi.
Carav afferma di aver iniziato una “nuova, piccola, vera rivoluzione” con le sue sculture invisibili. Vendita io Infatti il concetto segna un nuovo sviluppo nell’art. Ha riconosciuto che l’artificio del smaterializzato e l’arte allo stesso tempo percepiti come oggetti. Come speculatore finanziario, ha realizzato un profitto senza creare alcun valore. In un momento in cui le aziende d’arte stanno perdendo miliardi di dollari e gli artisti stanno lottando per sopravvivere, le frodi intellettuali di Kara e gran parte delle truffe del mondo dell’arte sono in netto rilievo.
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